Die Eselskrone

Mit 13 hatte ich meinen ersten Gambenunterricht und liebte es. Doch zunächst konzentrierte ich mich auf das Cellostudium. Erst während meines Bachelorstudiums wurde mir klar, dass man auch im Bereich der Frühen Musik eine Karriere machen kann. Ich habe dann in London Barockcello und Viola da Gamba studiert, aber es war die Neugier, mehr über die Aufführungspraxis des 16. und 17. Jahrhunderts zu erfahren, die mich nach Basel und schliesslich zur mittelalterlichen Fidel und zur Renaissancegambe führte.

TC: Kannst du uns etwas über die Geschichte der Gambe erzählen? Der Laie denkt, sie sei der Vorläufer des Cellos, aber es soll im 16. Jahrhundert auch Gamben ohne Stimmstock gegeben haben, die eher einer Laute ähnelten.

CR: Kurz gesagt, die Gambe ist enger mit der Lautenfamilie, insbesondere der Vihuela, verwandt als mit der Violinenfamilie. Jegliche Ähnlichkeit mit dem Cello kam später, ist aber nicht ganz zufällig. Es gab auch Gamben, die wie die Violine geformt waren, und ich denke, man kann behaupten, dass die beiden Familien im 16. Jahrhundert Attribute voneinander übernommen haben und ihre Entwicklung nicht so getrennt war, wie wir gerne glauben. Die allgemein akzeptierte These ist jedoch, dass die Gambe (die Vihuela d’arco) entstand, als die Bogentechnik des arabischen Rabab auf die Vihuela da Mano mit flachem Steg übertragen wurde. Dieses neue Instrument wurde dann durch dynastische und politische Verbindungen von der iberischen Halbinsel nach Italien gebracht.

TC: Du bist sowohl in der Musikwelt des Barocks wie auch der Renaissance zu Hause. Die Renaissancemusiker:innen werden öfter als Kenner der Musikgeschichte wahrgenommen, als Musikforscher, die mehrere Instrumente beherrschen und sich um die musikalische Aufbereitung ihrer Stücke bemühen. Ist diese Unterscheidung typisch oder eher die Ausnahme?

CR: Ich hoffe, dass meine Kolleginnen und Kollegen, die sich mit in der barocker Aufführungspraxis beschäftigen, auf diese Fähigkeiten genauso viel Wert legen wie die Renaissancemusiker:innen! Ich denke, dass wir hier in Basel das Glück haben, dass die Ausbildung an der Schola Cantorum sehr viel Gewicht auf Forschung, Arbeit mit Quellen und eigene Editionen legt … Diese Dinge sollten die Grundlage jeder Arbeit in der Aufführungspraxis sein, egal in welcher Epoche der Musik. Der Unterschied besteht darin, dass es bei der Musik des Mittelalters und der Renaissance oft viel Hintergrundarbeit und Vorbereitung erfordert, um ein Stück auf die Konzertbühne zu bringen, während es bei späterem Repertoire einfach sein kann, online zu gehen und eine Edition herunterzuladen, vielleicht ohne deren Qualität zu prüfen. Die Art der Aufführung von Renaissancemusik erfordert also eine grosse Investition des Interpreten, aber für späteres Repertoire ist es genau so wichtig, immer wieder zu den Quellen zurückzugehen und zu fragen, was wir tun und warum.

TC: Oft fehlen den Mittelalter- oder Renaissance-Musiker:innen verlässliche Quellen für ihr Spiel oder für ihre Spieltechnik. Sind die Bilder und Gemälde jener Epochen brauchbare oder gar willkommene Ratgeber für eure Kunst?

CR: Ja, natürlich, aber es ist auch wichtig, ein Bild kritisch lesen zu lernen: Was will der Maler hier zeigen? Hat es eine politische, religiöse oder allegorische Bedeutung? Handelt es sich bei den abgebildeten Personen um Musiker:innen oder um Studiomodelle, die mit Instrumenten posieren? Wie bei jedem Quellenmaterial, müssen wir lernen, analytisch zu denken und die Beweise wissenschaftlich zu bewerten.

TC: Eine meiner Lieblingsfragen dreht sich um die heutige Rezeption der Renaissancemusik. Die Werke der Barockzeit erfreuen sich seit einigen Jahrzehnten in Konzerten und auf den Opernbühnen einer grossen Beliebtheit, demgegenüber kämpft die überaus reiche und vielfältige Renaissancemusik noch weitgehend in einer medialen Nische. Stehen wir da vor einem Umbruch oder einem Aufbruch?

CR: Für mich ist das eine interessante Frage, denn ich bin in Grossbritannien aufgewachsen. Dort ist die Musik der Renaissance dank der anglikanischen Chortradition nach wie vor ein Teil unseres musikalischen Lebens. Jeder Kirchenchor ist mit Polyphonie vertraut und singt Werke von Tallis und Byrd und anderen. Aber der Einfluss der Chortradition kommt dem Verständnis von Renaissancemusik nicht unbedingt zugute. Die ungebrochene Tradition hat uns eine bestimmte Klangwelt verkauft, die mehr mit den Jahrhunderten dazwischen zu tun hat als mit der Art und Weise, wie diese Musik ursprünglich aufgeführt wurde.

Ich glaube, wir befinden uns an einem Wendepunkt. Es ist wichtig und grossartig, dass so viele Musiker zu den Quellen zurückkehren und Techniken wie Intavolierung, Improvisation, Selbstbegleitung, Ensemblegesang, Solmisation erforschen – es wird interessant sein zu beobachten, wie sich das auf die Rezeption der Renaissancemusik in unserer heutigen Musikkultur auswirkt.

Ja, selbst bei der Namensgebung der Instrumente stehen oftmals Tiere Pate: so setzt sich etwa die Posaune etymologisch aus den lateinischen Wörtern für Rind (bos) und für singen (canere) zusammen.

Anders gesagt, auch Musik lädt dazu ein, über die innige Beziehung zwischen Menschen und Tieren nachzudenken, und dies auf eine gut verdauliche Art und Weise. Denn keine Angst, bei «Tiere & Creaturen laden ein» handelt sich um ein veganes Konzerterlebnis.

Und als Vegetarier jedenfalls freue ich mich auf das tierisch inspirierte Programm.