Daheim bei Milán & Galilei

XD: Damals, ohne Internet, ohne E-Mails und ohne Menschen in meiner Umgebung, die viel über die Laute wussten, musste der Übergang zur Laute langsam erfolgen. Sobald es meine finanzielle Situation erlaubte, trat ich der Gitarrenklasse von Oscar Ghiglia in Basel bei, wo ich nicht nur viel von diesem grossartigen Meister lernte, sondern auch Hopis Klasse näherkam. Nach Basel zu kommen, um Gitarre zu studieren, war der notwendige Schritt, um schliesslich den endgültigen Schritt zur Schola Cantorum zu machen. 

TC: Der Laie nimmt die akustische Gitarre eher als intimes Instrument wahr, dennoch haben Sie sich auch erfolgreich dem Studium der Orchesterleitung gewidmet. Können Sie uns etwas über diesen musikalischen Brückenschlag erzählen?  

XD: Historische Zupfinstrumente haben viel Intimes an sich. Die klassische Gitarre öffnet sich heutzutage jedoch immer mehr. Ich wollte Musik aus einer umfassenderen Perspektive verstehen als nur aus der des Instrumentalisten und interessierte mich (und interessiere mich noch immer) für das Dirigieren von Chor und Orchester.

Ich denke, dass das Studium der Dirigierkunst ein gutes Werkzeug ist, um Musik zu verstehen, ohne sich um die physische Ausführung eines Instruments kümmern zu müssen. Ausserdem glaube ich, dass eine direkte Übertragbarkeit auf die Musik möglich ist, die auf der Gitarre gespielt wird, da wir oft Stücke spielen, die wiederum versuchen, orchestrale Texturen nachzubilden. Jede Annäherung in diese Richtung hilft uns, die Musik, die wir spielen, viel besser zu verstehen.  

TC: Vielleicht passend zur letzten Frage: Sie sind mit Ihrem Instrument prominent in die Welt der Barockoper eingetaucht und haben da nicht nur Musik für das Theater gespielt, sondern auch komponiert oder arrangiert. Können Sie uns dazu mehr erzählen oder gar die Frage beantworten, ob ein Lautenist auch ein wenig singen können muss? 

 XD: Um mit der letzten Frage zu beginnen: Ich glaube, dass jede:r Musiker:in vom Singen profitiert. Seit jeher haben Instrumente die menschliche Stimme nachgeahmt und versucht, eine gesangliche Phrasierung zu entwickeln. Ich denke nicht, dass jeder von uns eine Stimme haben muss (oder haben kann), die sich für öffentliche Auftritte eignet, aber definitiv ist Singen für jeden Musiker von Vorteil. Und wenn Sie mich fragen – auch Tanzen. Phrasierung, Rhythmusgefühl und harmonisches Verständnis sind meiner Meinung nach drei der grundlegenden Qualitäten eines Musikers. 

Ich bin in den 90er-Jahren durch René Jacobs in die Welt der Oper eingetaucht und hatte sechs bis sieben Jahre lang eine intensive Auseinandersetzung mit diesem Genre. Danach entschied ich mich, dieses Format beiseitezulegen und nur gelegentlich an einigen Produktionen teilzunehmen.

Während meiner Zeit an der ESMUC (Escola Superior de Música de Catalunya) leitete und produzierte ich selbst einige Opern im akademischen Umfeld. Besonders hervorzuheben sind Monteverdis L’Orfeo, Purcells Dido & Aeneas, Blows Venus & Adonis und Duróns Selva Encantada de Amor, unter anderen.

Vokalmusik hat für mich eine besondere Dimension und meine Interessen gehen über die Oper hinaus, der ich derzeit wenig Aufmerksamkeit schenke. Ich interessiere mich besonders für die Renaissance-Polyphonie, Madrigale, solistische Musik des frühen italienischen Barocks und spätmittelalterliche polyphone Lieder. Ich bewege mich langsam rückwärts in der Musikgeschichte. 🙂 

Was die Komposition für das Theater betrifft, so erhielt ich vor etwa zehn Jahren eine Einladung von der Fundación Siglo de Oro in Madrid, um den Klangraum eines neu entdeckten Theaterstücks von Lope de Vega zu gestalten. Seitdem pflege ich eine enge Zusammenarbeit mit dieser wunderbaren Theatergruppe, für die ich Werke von Lope und Shakespeare vertont habe. Es sind bescheidene Beiträge, aber sie bereiten mir grosse Freude.  

TC: Wir versuchen beim Forum für Frühe Musik das Publikum auf die weitgehend unbekannten Schätze der Musikwelt vor 1600 aufmerksam zu machen, grenzen uns also zeitlich von der bekannten Barockszene ab. Beginnt der spanische Barock mit dem Siglo d’Oro schon etwas früher als im restlichen Europa oder was sind die Besonderheiten der spanischen Renaissance oder des Barock?  

XD: Tatsächlich bezieht sich der Begriff Siglo de Oro bereits im 16. Jahrhundert auf die spanische Literatur. Das Siglo de Oro umfasst eigentlich zwei Jahrhunderte, das 16. und das 17. Jahrhundert. Eine der grossen Veränderungen beim Übergang von den Prinzipien der Renaissance zur Barockmusik ist die Abkehr vom Palestrina-Kontrapunkt zugunsten harmonischer Strukturen. Die Erfindung des Basso Continuo entwickelte sich zunächst in Italien. 

Ich habe keine genaue Antwort auf die Entstehung der Oper in Spanien, da eine opernähnliche Form erst Mitte des 17. Jahrhunderts unter dem Namen Zarzuela entstand – benannt nach dem Jagdpavillon des Palacio de la Zarzuela, wo diese Werke zur Unterhaltung des Adels aufgeführt wurden. Die Texte wurden dabei entweder rezitiert oder gesungen. Die Opernform mit Da-Capo-Arien kam einige Jahrzehnte später aus Italien nach Spanien. 

Die auffälligste Eigenschaft der spanischen Musik der Renaissance und sogar des 17. Jahrhunderts ist für mich ihre Schlichtheit. Sie spiegelt in gewisser Weise die strenge, ernste Religiosität Spaniens wider. Die grosse Musik von Victoria, Morales und Guerrero sowie anderer bedeutender Komponisten von Polyphonie aus Sevilla hatte einen erheblichen Einfluss auf die mehrstimmige Struktur der Instrumentalmusik. Die Musik von Narváez erinnert mich hingegen an den Kontrapunkt von Josquin, während Miláns Musik eine etwas improvisiertere, sehr inspirierte, aber möglicherweise weniger perfekte kontrapunktische Struktur aufweist. Mudarra hingegen verbindet für mich die spanische Polyphonie besonders mit Guerrero. 

TC: Die Barockmusik und insbesondere die Barockoper erlebte in den letzten Jahrzehnten einen regelrechten Performance-Schub, jedes Opernhaus inszeniert heute mit grossem Erfolg Singspiele aus dem frühen 17. Jahrhundert. Demgegenüber fristet die Musik vor 1600 selbst am Radio ein Nischendasein. Wie beurteilen Sie die Entwicklung dieser reichhaltigen und vielfältigen – noch zu entdeckenden – Musikszene der Renaissance?  

XD:  Je weiter ein historischer Zeitraum von uns entfernt ist, desto schwerer fällt es uns, die Musik oder ihre Interpretation zu verstehen. Eines der grössten Probleme, mit denen wir konfrontiert sind, ist die fehlende Kontextualisierung. Wir sind Gefangene der Konzertform, die sich im 19. Jahrhundert entwickelte. Das führt dazu, dass Lautenkonzerte in Räumen stattfinden, die eigentlich für moderne Instrumente und Besetzungen bestimmt sind. Die Musik vor 1600 benötigt intime Räume und innovative Aufführungsformate.

Daher möchte ich die Initiative von ReRenaissance ausdrücklich loben, die in ihrem März-Event drei kurze, parallel laufende Konzerte anbietet. So kann das Publikum an allen drei Aufführungen teilnehmen, und jeder Künstler spielt dreimal eine 20-minütige Auswahl der hochwertigsten Musik.

Wir brauchen mehr mutige Initiativen wie diese. Das Publikum wird es zu schätzen wissen.